UT PICTURA POESIS
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"Gran Esfinge de Tanis" La escultura fué descubierta en el año 1825,entre las ruinas del Templo de Amón,situado en la localidad egipcia de Tanis,que fué capital de Egipto durante las dinastías XXI y XXIII. Las inscripciones originales fueron borradas y solamente son legibles las inscripciones alusivas a los faraones Amenemes II,(Dinastía XII),Meeneptah,( Dinastía XIX) y Sheshonq I,(Dinastía XXII).

Jaume Plensa en el Palacio de Cristal de Madrid. Su escultura se ha ido des-materializando y los materiales iniciales como hierro, bronce, aluminio, plástico, alabastro o vidrio dan paso a la luz, el sonido y la palabra. Jaume Plensa produce grandes rostros y figuras de mujeres y hombres de todo el mundo. Algunas, en una desmaterialización del proceso escultórico, han sido elaboradas con un entramado de letras que deja ver el vacío del espacio en su interior. Otras son figuras desnudas de distintas etnias que denuncian la vulnerabilidad del ser humano y reivindican los derechos humanos universales. Esta exposición llamada INVISIBLES, clausurada en marzo hemos visto este grupo escultórico conformado por mallas de acero que dibujan en el espacio los rostros inacabados de figuras suspendidas en el aire, atravesadas por la luz y detenidas en el tiempo. #arte #escultura #sculpture #palaciodecristal #cristalpalace #jaumeplensa #jaumeplensasculpture #art

El Mediterráneo. Aristide Maillol (1923) Esta obra del escultor francés fue exhibida en el Salón de Otoño de 1905 con el título de "Mujer". Fue realizada para el Conde Harry Kessler quien a partir de 1904 se convirtió en mecenas de Aristide Maillol. La escultura original en piedra calcárea se encuentra en Suiza, mientras que el Museo de Orsay conserva dos versiones: una fundida en bronce de reciente creación, y la pieza en mármol que aparece en la imagen, realizada por el propio Maillol en 1923. Por la pose de la mujer, a la que sirvió de modelo la esposa del artista, la escultura también se conoce por el título de "El pensamiento", pues en el rostro de la figura no se observa expresión alguna. Es la propia postura la que significa por sí misma pues muestra al cuerpo desnudo femenino recargado sobre sí mismo sin otro gesto más que el reposo. Su mano derecha se sostiene por detrás de su cuerpo, sobre el límite de la base rectangular sobre la cual se sienta la mujer, en tanto que su brazo izquierdo se recarga sobre su rodilla llevando la mano a la cabeza con absoluta ligereza. Destacan en la pieza las formas triangulares que presentan su brazo y piernas dobladas; sin embargo, la atención del escultor fue la de representar el cuerpo humano tal cual es. Así mismo, la figura muestra las características más conocidas de la obra de Maillol como son el cuerpo femenino robusto y la ausencia de expresión o fuerza contenida, así como la textura lisa de su superficie. Estas particularidades dan lugar a una representación naturalista del cuerpo femenino cuya sencillez afirma la belleza de la figura. #orsay #museedorsay #escultura #marmol #sculpture #arte #art #museum

Virgen de las rocas, del genio renacentista Leonardo Da Vinci. La Virgen está sentada en el suelo de una spelunca o refugio rocoso entre montañas. El paisaje que se divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la Toscana ni a las más famosas cumbres de los Apeninos. Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan. En el cuadro predominan la línea que contornea las figuras y los colores más utilizados son el marrón, el negro, el azul y el color carne. Contrasta el uso de colores fríos (azul, verde) y cálidos (naranja, marrones) que dan vitalidad a las personas y acercan los objetos. Hay contrastes de luz y sombra que provocan el efecto de que el sol ilumina la imagen. Los personajes, que son lo principal, los hace resaltar más para conseguir profundidad en la superficie plana. Aqui se puede apreciar su teoría de la perspectiva aérea, según la cual la profundidad en los cuadros se consigue usando tonalidades de azul y que sean cada vez menos detallados conforme se alejan del primer plano, creando así una ilusión óptica. Utiliza la técnica del claroscuro en la que la luz es creadora de sombras y mediante la perspectiva aérea disecciona el espacio en tres puntos, dos en los lados del horizonte y otro hacia abajo. La composición racional y equilibrada, los focos lumínicos y sus penumbras, así como el propio empleo del color, con tonos bajos ocupando superficies extensas, y tonos altos empleados en espacios más reducidos e intensos, modelan el espacio, estableciendo planos que se van alejando, desde un primer plano muy próximo al espectador hasta un fondo que se desvanece en la lejanía, intensificado por la utilización de colores fríos, frente a la gama de los primeros planos. #arte #art #pintura #painting #renacimiento #leonardodavinci #louvre #museedulouvre #historia

Detalle de La Balsa de la Medusa de Théodore Géricault. Una obra a través de la cual se puede entender lo que significó él romanticismo en el siglo XIX. A través de un naufragio representa un momento histórico real en el que 150 marinos quedaron abandonados en alta mar, un hecho que conmocionó a la Francia de la época. Con una mezcla entre el dramatismo y la esperanza podemos ver este momento que se ha convertido en una imagen icónica también para el propio Museo del Louvre. El poder de la naturaleza sobre el hombre es uno de los temas más recurrentes durante el romanticismo y en esta obra se representa a la perfección la desesperación y resignación que un hecho así provoca en el ser humano. #louvre #museedulouvre #art #painting #pintura #pinturaromantica #francia #paris

Tradiciones de un pueblo perdido entre el mar de olivos. Un conjunto escultórico de Sanchez Mesa, un escultor que recompuso numerosas imágenes devocionales tras los desastres de la guerra civil. Un escultor con una gran influencia de la escultura renacentista, más concretamente de Martínez Montañés. Una de sus obras cumbres se conserva en Villanueva del Arzobispo, en Jaén, junto con otras obras suyas como la Virgen de la Fuensanta y la Virgen de los Dolores #semanasanta #jaen #semanasantadejaen #escultura #sculpture #arte #art #imaginería

La buenaventura, Caravaggio. Pintura barroca italiana. Podemos ver a la mujer diciendo la buenaventura a un joven ricamente vestido, a quien roba el anillo mientras lo embauca con sus predicciones. Independientemente de la leyenda, lo importante de la anécdota es el hecho de que ya en su época, Caravaggio era consciente de estar pintando sobre la vida al natural, y no como se había hecho hasta ese momento sobre modelos idealizados que resultaban completamente ajenos al sentir del público. Caravaggio realizó una copia de este lienzo, que se encuentra en el Museo Capitolino de Roma. En el otro lienzo, la gitana resulta más agraciada, aunque la pose del caballero es algo más envarada. #arte #art #pintura #painting #pinturaitaliana #barrocoitaliano #caravaggio #caravaggiostyle #museedulouvre #louvre

Detalle de La Gran Odalisca de Ingres. El título de la pintura, que significa "mujer del harén", y los accesorios a su alrededor evocan la sensualidad de Oriente. Pero la mujer también es discreta porque sólo muestra su espalda y parte de uno de sus pechos. El desnudo era un tema importante en el arte occidental, pero mientras que las figuras del Renacimiento retratadas de esa manera habían sido extraídas de la mitología, aquí Ingres transpuso el tema a una tierra lejana. El tema de la odalisca había fascinado ya a Boucher en el siglo XVIII y más tarde fue elegido como tema por Théodore Chassériau (1819-1856), uno de los discípulos de Ingres. A lo largo de su carrera, muchas de las obras de Ingres cuentan temas orientalistas, como El baño turco (Louvre), que pintó hacia el final de su vida. Las escenas de desnudos femeninos, históricos, y el retrato fueron los géneros favoritos de Ingres. #arte #pintura #museedorsay #museeorsay #ingres

Iglesia de Santa Isabel en Bratislava en honor a la princesa Isabel de Hungría. De estilo modernista construida a principios del siglo XX por Odon Lechner. #utpicturapoesis #arte #arquitectura #architecture #arquitecturamodernista #bratislava #eslovaquia

Anfiteatro Romano de Mérida. Lugar de gladiadores.

No por rencor le doy la espalda al mundo y lo ignoro. Me trajo aquí una sed de espacios sin final. Venid y ved el mar de blancas nubes donde hundo mi cayado, venid y al cuadro entrad. No hay vida aquí, pero tampoco muerte, destino o movimiento, tiempo o suerte; no hay hoy ni ayer, sino una inmensidad sin término ni curso ni comienzo. Aun dando un paso al frente no caeréis en el nuboso abismo; os perderéis en el revés oscuro de este lienzo como mucho. Y acaso alguna mano del museo se pose en vuestro hombro reclamándoos; tanto es el asombro de estar aquí, que llamará en vano. Cruzad ese cordón de terciopelo; por la escondida senda pincelada subid al promontorio, y sienta cada uno, bajo sus pies, el vasto cielo. Santiago Elso Torralba Pintura romántica del siglo XIX de Caspar David Friedrich. Ningún otro como el pintor alemán ha sabido canalizar la inquietud humana a través de la naturaleza que observamos, inmensa e infinita; que se despliega en toda su grandeza ante nuestros ojos. Caspar David Friedrich no pintaba paisajes al uso. Los despojaba, a pesar del estilo minucioso de su pintura, de la ramplona realidad: les imprimía sentimiento. Sus paisajes son la proyección de la espiritualidad humana, el autor se vale de la naturaleza para expresar su metafísica. No es raro encontrar en algunos de sus cuadros a personajes de espaldas, insignificantes, frente a un entorno vasto y cargado de simbolismo. #arte #poesia #art #poesis #utpicturapoesis #pinturaromantica

Ayer dijimos adiós a la histórica exposición antológica de Murillo en el #museobellasartesdesevilla #museodebellasartes Esta fue su imagen de cartel ya que hemos tenido la oportunidad de ver obras nunca vistas antes en Sevilla desde donde salieron en el siglo XIX. Podemos destacar obras de género como estas que nos muestran una interesante mirada desde dentro de la sociedad sevillana del siglo XVII que nos muestra unas vestimentas de moda de dicha época exceptuando el detalle del ropaje rasgado del niño. #murillo #sevilla #añomurillo #barroco #pintura #españa

Una de mis obras favoritas del gran maestro Diego Velazquez, El Aguador de Sevilla. Es una obra la cual ha atraído diferentes miradas e interpretaciones de su iconografía. Una de estas interpretaciones es la de las tres edades de la vida. Velázquez sigue destacando por su vibrante realismo, como demuestra en la mancha de agua que aparece en el cántaro de primer plano; la copa de cristal, en la que vemos un higo para dar sabor al agua, o los golpes del jarro de la izquierda, realismo que también se observa en las dos figuras principales que se recortan sobre un fondo neutro, interesándose el pintor por los efectos de luz y sombra. El colorido que utiliza sigue una gama oscura de colores terrosos, ocres y marrones. La influencia de Caravaggio en este tipo de obras se hace notar, posiblemente por grabados y copias que llegaban a Sevilla procedentes de Italia, ya que esta obra fue realizada durante su etapa sevillana, antes de ir a la corte. #pintura #velazquez #sevilla #arte #españa #barroco

CARMEN LAFFÓN CRISTINA YBARRA MARUJA MAYO REMEDIOS VARO Mujeres valientes y luchadoras que han conseguido que su nombre no quede en el olvido. Feliz día de la mujer

Tal día como hoy nacía uno de los grandes genios de la historia del arte, Miguel Ángel. Sin duda uno de los mayores referentes del renacimiento italiano, el cual su genialidad le llevó a trabajar tanto en escultura como en pintura y arquitectura y aquí os dejo tres de sus obras más destacadas. Sin duda su éxito residía en su majestuoso dominio del dibujo en el cual se basaba toda su obra. Michelangelo Buonarroti nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo del año 1475. Pertenecía a una familia acomodada - su padre Lodovico di Leonardo di Bounarroto Simone era "podestá" de Florencia en esa localidad - que se trasladó a la capital de Toscana a las pocas semanas de nacer el pequeño. La madre, Francesca di Neri di Miniato del Sera, confió la alimentación del pequeño a una nodriza, hija y mujer de canteros, dato que será considerado por el artista como fundamental para su formación. Cuando Miguel Ángel tiene seis años fallece su madre; en esos momentos conoce al pintor Francesco Granicci, un mozo de 12 años que le anima a pintar, lo que no será del agrado de Lodovico Buonarroto. Tras algunos años de "lucha" entre padre e hijo, Lodovico da su brazo a torcer - él deseaba que su pequeño realizara una carrera administrativa o comercial más satisfactoria que la pintura - y Miguel Ángel ingresa con trece años en la "bottega", el estudio, de Domenico Ghirlandaio con quien aprendería las técnicas del fresco y desarrollaría su extraordinaria capacidad como dibujante. Tras una corta estancia en la "bottega" - que parece abandonar por discrepancias con su maestro - inicia estudios de escultura en el Jardín de los Médici, bajo el patronazgo de Lorenzo el Magnifico y la dirección artística del donatelliano Bertoldo di Giovanni. Estos años serán de gran felicidad para el joven ya que es acogido como hijo adoptivo por el Magnífico en el palacio Médici, donde vivía con los más destacados miembros del humanismo: Poliziano, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola. Así comenzaron sus andaduras en el mundo artístico. En otras publicaciones veremos más datos #arquitectura #pintura #escultura #miguelangel

La Catedral de Santa María es una pieza clave del barroco español, cuya historia sigue los avatares propios de la Murcia de aquellos siglos. Se trata del edificio monumental más importante de la capital y es un compendio de todos los estilos artísticos que se suceden desde el comienzo de su construcción –finales del siglo XIV– hasta la finalización de su impresionante fachada barroca en 1751. En su construcción participaron arquitectos y artistas tan importantes como Diego Sánchez de Almansa (siglo XV), Francisco y Jacobo Florentino (siglo XVI), Jerónimo Quijano (siglo XVI) o Jaime Bort (siglo XVIII). Merece mención destacada, dentro del conjunto catedralicio, la Torre, con entidad y características propias, que sustituyó a la antigua torre medieval, demolida a principios del siglo XVI para construir la portada de la Cruz y la torre renacentista. Otro aspecto sobresaliente de esta monumental construcción son sus capillas, de excepcional belleza, entre las que sobresalen la de los Vélez y la de Junterones, así como sus puertas laterales –de los Apóstoles o de las Cadenas– y la Sacristía y Antesacristía. Cabe destacar, por su extraordinariamente rica talla la Sillería de la Catedral de estilo plateresco avanzado. #arquitectura #historiadelarte #historia #arte #murcia #catedral

Balcones en esquina una de las soluciones arquitectónicas mas complejas y a la vez representativas del renacimiento y más concretamente de Andrés de Vandelvira pero en este caso no nos encontramos en Jaén ni en Úbeda sino en Trujillo. Se trata del Palacio de los Carvajal Vargas y está construido sobre lo que fue una fortaleza de los visigodos según el testimonio de algunas piedras con decoración visigótica. Sus fachadas son renacentistas al igual que el balcón en esquina y sus chimeneas según los arquitectos C. Caesiano y S. Serlio. #arquitectura #trujillo #arte #balconenesquina #historia